Sibilino trópico  Igor F. Solís

Galería Roberto Garibay, Plantel Academia de San Carlos de la Facultad de Artes y Diseño.

La palabra sibilino hace referencia a que algo es misterioso o de un modo peculiar, oscuro y enigmático, la pintura de Igor Solís expresa mucho de lo que esta palabra encierra, y es que, en efecto, hay algo de misterioso en sus pinturas, las cuales están cargadas de oscuridades relacionadas con la magia ritual del caribe y sus ficciones narradas a través de los siglos por los habitantes de este rincón de México.

Sibilino Trópico, por lo tanto, nos habla entre muchas otras cosas, de

imágenes del mar, del sol incandescente y del territorio de Yucatán lleno de secretos por ser descubiertos. Es como si ante nosotros tuviéramos una visión del Edén simultáneamente mezclada como el infierno tropical, plasmados ambos en estas imágenes enigmáticas.

Pero además de esas ficciones narradas en imágenes nos interesa cómo el pintor presenta y resuelve sobre todo desde un interés auténtico por la naturaleza de la luz, por la representación de las formas y el color que están inmersos en la captación que hace de escenas e imágenes simbólicas que remiten a textos poéticos.

Igor Solís realiza sin mucha dificultad, la contemplación de la naturaleza exuberante de la península de Yucatán, y la traslada al lienzo en el que las formas emergen en narraciones que contienen imágenes tan sencillas como lo son los

destellos del sol sobre la superficie del agua, o tan complejas como la tradición oral que mezcla escenas ocurridas con los dioses antiguos y atraviesan el imaginario desde la ciudad novohispana, hasta la realidad multicolor contemporánea de los cultos afrocaribeños.

La Península como Lienzo: Poética pictórica de Igor Solís

Jorge Santana

La Península de Yucatán se presenta como una ambivalencia entre lo concreto y lo fantástico, un ámbito espacial donde las pirámides superan la altura de las cumbres terrestres, el agua fluye bajo tierra y la selva relega el horizonte hasta el mar.

Es habitual referir la costa yucateca como el sureste de nuestro país, aunque algunas de sus coordenadas se elevan sobre puntos del estado de Nayarit, por muchos considerados como norte.  Esta indeterminación no es casual, sino parte del asombro y  la  complejidad  de  una  región  que  desafía  las  expectativas geográficas y culturales. Traducir esta realidad a una poética pictórica es la labor que realiza Igor Solís.

La obra de Solís revela un misterio que persiste en la claridad.  Si bien el misterio suele relacionarse con lo oscuro, en su trabajo se convierte en el secreto

de una exuberancia que no esconde, sino sugiere.  La selva actúa como una niebla densa que sustituye el despliegue del horizonte por un paisaje saturado y vibrante, donde lo visible perpetúa el enigma más que resolverlo.   En este umbral, la figuración parece alcanzable, pero nunca del todo definida, manteniendo la pintura en un estado de oscilante apertura interpretativa.

Acudiendo a tratamientos de la estética modernista, con acentos del expresionismo y del surrealismo alemán, Solís desarrolla un lenguaje plástico propio.  El trazo, ya sea en óleo sobre lienzo o acuarela y grafito sobre papel, se

ofrece como una experiencia sensorial inmediata.   Las formas exploran la coexistencia entre pasado y presente, entrelazando el fantasma de lo maya con el imaginario contemporáneo.  Lo críptico en las imágenes se despeja a veces en los títulos de las obras y sus localismos filológicos, reforzando su poética pictórica.  Y he ahí́ justo lo sibilino: el trópico, cuyo significado más antiguo, contrario a lo geométrico y lo duro, significa ‘vuelta’, metamorfosis.

La luminosidad característica de Yucatán transforma el espacio en las piezas de Solís. Ajenas a la línea, al dibujo y a la sugerencia de perspectiva, las pinceladas y manchas de color se acumulan y superponen, convirtiendo cada obra en un espacio táctil donde forma y color vibran con autonomía. Esta integración de elementos no sólo crea un imposible paisaje en primer plano, donde cuerpos y rostros se funden con la textura y la luz, sino que también convierte el cuadro en sí mismo en una paleta física, una extensión del proceso pictórico.

En obras como ¿Te recuerdas de Sisal?, Solís utiliza una mixtura de colores

primarios que evoca una estética cercana al pop acentuando el dinamismo. El grupo de flamencos funciona como eje visual, rodeado por formas orgánicas que se truecan  por  abstracciones  sugerentes.  La  referencia  al  dripping  unifica  la composición y refuerza la sensación de movimiento continuo. En medio de esta sinergia entre agua, tierra y aire, se distingue un guiño formal: la silueta de un esqueleto con una lanza, aludiendo al mexicanismo y a las narrativas piratas de la región.   En Luz as Ixchel, Solís establece un diálogo entre lo figurativo y lo insondable.  La luz, fragmentada en formas caleidoscópicas, se entrelaza con presencias y rostros humanos pertenecientes a una narrativa personal y realista. Esta interacción crea una amalgama orgánica donde las estructuras parecen detenidas en el aire, fusionando la simbología del artista con el mar mexicano en constante evolución visual.

No obstante, en general, las figuras humanas en la obra de Solís aparecen diluidas entre fauna y vegetación, creando una sinfonía natural donde lo humano, lo animal y lo vegetal coexisten sin jerarquías.  Estas formas apenas delimitadas rememoran el concepto de ‘rastro’ según Jacques Derrida, donde la presencia se define por la huella de una ausencia. Asimismo, tal enfoque dialoga con la fenomenología de Maurice Merleau-Ponty, al presentar la percepción como una interacción activa entre cuerpo, entorno y materia, que borra los límites tradicionales entre sujeto y objeto.

La luz en su obra no sólo ilumina, sino que transforma.  En contrapeso con las sombras, los colores se desbordan en naranjas incandescentes y azules profundos, adentrándose en lo que James Elkins denomina la ‘lógica de la sensación’.

Cada pieza se convierte en un espacio de exploración sensorial, en el que la experiencia  visual  se  entrelaza  con  la  experiencia  física,  transformando  la

percepción del espectador.

Los límites entre sombra y luz, mar y selva, lo humano y lo natural se desdibujan, desatando una atmósfera ambigua que invita a la interpretación.

Esta ambigüedad es una metáfora del mestizaje cultural que define la identidad

regional, encontrando eco en el ‘tercer espacio’ de Homi Bhabha: un terreno intermedio donde se disuelven las categorías binarias para dar lugar a una realidad más compleja.

El trabajo de Igor Solís ofrece una interpretación subjetiva y sensorial de la

península. Las figuras insinuadas invocan fragmentos oníricos y proyectan la ambigüedad de un territorio que se resiste a ser definido.  En un contexto de homogeneización creciente, este abanico de imágenes nos invita a reconsiderar nuestra relación con el entorno y la pintura, y nos insta a explorar ese espacio liminal donde lo familiar se vuelve extraño, y lo extraño: profundamente familiar.